Le mouvement débute avec Bonnie & Clyde d’Arthur Penn et Le Lauréat de Mike Nichols en 1967. En 1969, le succès inattendu d’un film réalisé par un hippie déjanté et inconnu fait l’effet d’une bombe Easy Rider de Dennis Hopper fait prendre conscience aux studios de l’envie de nouveauté chez le jeune public, dizaine d’années euphoriques au cours desquelles Hollywood change littéralement de visage, et où les nouveaux venus, bénéficiant d’une liberté quasi totale, s’affranchissent des règles d’un cinéma classique que, par ailleurs, ils admirent et s’achève par La Porte du Paradis de Michael Cimino en 1980. Les années 1970 représentent une période singulière dans l´histoire du cinéma américain car elles voient en effet naître le « Nouvel Hollywood ». Retour sur cette nouvelle vague à l´américaine qui cristallisent tout un esprit novateur avec une génération entière de cinéastes, acteurs, scénaristes et producteurs qui prennent les rennes d’Hollywood et y apportent un bouleversement formidable. C’est un de ces moments où la grande et la petite histoires se rencontrent dans une fièvre créatrice unique, dont les artisans marquent l’Art d’une aura spéciale. Mouvement cinématographique américain de la fin des années 1960 au début des années 1980, qui modernise de façon significative la production de films à Hollywood. Ce cinéma, inscrit dans la contre-culture et influencé par le néoréalisme italien, la modernité européenne et la Nouvelle Vague française, se caractérise par la prise de pouvoir des réalisateurs au sein des grands studios américains et la représentation radicale de thèmes jusqu’alors tabous comme la corruption des pouvoirs politiques, la sexualité, la violence ou le massacre des Indiens. Il renouvelle également les genres classiques du cinéma américain ou les « déconstruit » en s’affranchissant des conventions de ceux-ci. Période de 15 années considérée comme une des phases les plus importantes du cinéma américain du point de vue artistique.

 

La décennie 70 est une formidable matière à récit. Tout y exhale le parfum de la fureur de vivre et de créer, la soif de changement et de libération, alors que tout semble possible. Le contexte qui enfante le « Nouvel Hollywood » est extraordinaire à la fin des années 60, les Etats-Unis baignent dans une ambiance enfiévrée…Révolution entamée par le rock…Violence omniprésente, avec la guerre du Vietnam dont l’horreur pénètre jusqu’aux foyers, via les actualités télévisées…Lutte des Noirs pour leurs droits civiques et les émeutes qui se multiplient…Longue suite d’assassinats politiques sur Martin Luther King, Malcom X, Robert Kennedy. La guerre, au sens large, hante ainsi littéralement la jeunesse. Celle-ci cherche à mettre en pratique une vie communautaire contestataire et ses manifestations, défilés des Black Panthers, et festive Woodstock en 1969.

 

 

 

 

 

VIEIL HOLLYWOOD / L’Âge d’or

 

 

 

On désigne souvent l’ère classique du cinéma américain précédant le Nouvel Hollywood par l’« âge d’or », en référence au cinéma produit par les majors du début des années 1930 à la fin des années 1950. Les films sont marqués par les structures de production et les genres cinématographiques, qui se sont assemblés dès l’époque du cinéma muet, tout comme le star system de l’« industrie du rêve ». Généralement, les œuvres de l’âge d’or se classent selon un genre bien défini…Comédie/Western/Film d’aventure…et comportent des stars identifiées à un registre précis avec Cary Grant en séducteur de comédie, John Wayne en héros viril de western, Errol Flynn en virevoltant protagoniste de film d’aventure etc…Durant des décennies, les majors contrôlent toute la chaîne de production et de fabrication des films, de l’écriture à la distribution en passant par la réalisation et le montage. Les grandes firmes commandent le scénario à un auteur sur un sujet qu’ils déterminent. Ils définissent ensuite le budget et le temps de préparation et choisissent comédiens, réalisateur et collaborateurs techniques. La décision sur le montage final leur revient avant d’assurer la promotion et la distribution. Chaque grand studio…Warner/MGM/Twentieth Century /Fox /Paramount/Columbia/Universal…A son écurie d’acteurs, de réalisateurs et de scénaristes-vedettes. Par ailleurs, chacun a son genre de prédilection et son esthétique propre. Les grands metteurs en scène de l’âge d’or, comme John Ford et Howard Hawks, se considèrent avant tout comme des salariés privilégiés d’empires de la production pour lesquels ils signent des divertissements calibrés qui impriment, de manière implicite, leur propre style. Les studios hollywoodiens dirigés par des producteurs vieillissants qui ne saisissent rien de ce qui se joue en dehors de leurs Majors. La crise est sérieuse pour ces studios qui persistent à produire de grands spectacles onéreux, totalement déconnectés des préoccupations de la génération du baby boom et du Flower Power. Ils accumulent échecs cuisants et pertes record. Le système, hérité de l’après-guerre, est littéralement à l’agonie, si bien que nombre de studios sont rachetés par de grands groupes financiers.

 

Le classicisme hollywoodien, respecte le code de censure Hays que les grandes firmes ont appelé de leurs vœux afin de diffuser leurs films sur tout le territoire américain, y compris dans les États les plus conservateurs et puritains. Certains sujets tabous ne peuvent être évoqués et notamment la sexualité. Le propos doit être conforme au courant de pensée dominant. Les scénarios mettent en scène des protagonistes liés à une quête, subissent une évolution narrative et psychologique,  éminemment positifs pour un but moral. S’ils sont initialement mauvais comme dans les films de gangsters, ils seront sévèrement punis. L’histoire est fluide et décente et la manière de l’agencer élégante et compréhensible. Les réalisateurs sont tenus de respecter une grammaire audiovisuelle de rigueur avec mise en scène centrée sur les comédiens, plans lisibles, règle des raccords, montage adouci etc. Ce système de production, rodé par les majors au temps du cinéma muet, est une industrie puissante, productive et lucrative aussi bien commercialement qu’artistiquement. Cette automatisation dans l’élaboration des films inclut une stricte répartition du travail et le respect des accords passés avec les guildes professionnelles qui interdisent notamment aux scénaristes de mettre en scène leurs propres histoires. Malgré ce système rigide, des réalisateurs de renom comme Alfred Hitchcock/Anthony Mann/Frank Capra/George Cukor/Howard Hawks/John Ford/John Huston/Joseph L. Mankiewicz/Orson Welles/Otto Preminger/Raoul Walsh y trouvent une certaine autonomie, accroissent leur prestige et créent des films de référence, voire des œuvres-monuments qui fondent leur style singulier, personnel et inimitable. À cette époque, la plupart des meilleurs scénaristes, réalisateurs, compositeurs, chefs opérateur et acteurs, de toutes nationalités émigre à Hollywood grâce au confort de travail. La qualité technique des films est d’un niveau notable. La formule du succès est variable, et, à l’arrivée de la télévision, Hollywood se sent menacé. L’industrie du cinéma réplique en produisant des épopées monumentales et des grands péplums comme Les Dix Commandements ou Ben Hur. Elle invente par ailleurs ou popularise de nouvelles innovations techniques comme le CinemaScope et le VistaVision. Beaucoup de films du « vieil Hollywood » se déroulent dans un monde idéalisé et plaisent à un public en quête de divertissement qui ne souhaite pas être confronté à une quelconque réalité sociale ou politique déplaisante.

 

 

 

 

 

 

 

Au début des années 1960, l’« usine à rêves » Hollywood, et les recettes qui avaient auparavant fait leurs preuves, sont au point mort. En 1963, le gouffre financier que fut le tournage épique de Cléopâtre de Joseph L. Mankiewicz et son rendement d’exploitation insuffisant manquent de couler la Fox. La carrière de réalisateurs de renom comme Alfred Hitchcock ou John Ford décline, et les stars de l’« Âge d’or » sont soit disparues…Humphrey Bogart, Gary Cooper, soit sur la fin…John Wayne, Cary Grant. Les patrons de studios, tous très âgés comme Jack Warner, occupent leurs postes depuis l’ère du cinéma muet et sont dans l’incapacité de monter des projets susceptibles de plaire à des spectateurs n’appartenant plus à leur génération. De plus en plus de films sont produits pour un public qui n’existe plus, et, dans une tentative désespérée pour le reconquérir, les majors engagent des sommes immenses dans des films à grand spectacle ou des comédies musicales. Les studios ont du mal à contrer la télévision, le nouveau grand média. La baisse considérable de la fréquentation de salles les mène au bord de la faillite et les oblige à des coupes budgétaires drastiques ou une réduction conséquente de personnel. Les dirigeants des grandes firmes perdent la mainmise sur le financement et l’élaboration des films.

 

 

 

LE  « NOUVEL HOLLYWOOD » / Liberté retrouvée

 

Le vide artistique qu’on peut sentir à Hollywood au milieu des années 1960 permet à de jeunes cinéastes d’établir une nouvelle manière de faire du cinéma. En 1967, un an après l’abandon définitif du code Hays, Arthur Penn réalise avec Bonnie and Clyde un film de gangsters dont la position sceptique anti-establishment, brise les tabous d’Hollywood dans un style de narration âpre, lyrique et moderne. Ce film rencontre l’esprit de son temps et connaît un immense succès. La même année, Mike Nichols séduit avec son film Le Lauréat, dans lequel Dustin Hoffman, qui se révèle au public et à la critique avec ce film, campe un personnage en rébellion contre le monde ennuyeux, vicié et « petit-bourgeois » de la génération de ses parents. Le road trip Easy Rider de Dennis Hopper en 1969, met en scène le périple de deux bikers interprétés par Dennis Hopper et Peter Fonda au milieu d’une Amérique profonde conservatrice et raciste. Easy Rider, qui coûte quelques centaines de milliers de dollars, est accueilli avec enthousiasme par la « génération Woodstock ». Il rencontre un immense succès commercial à travers le monde et remporte approximativement 60 millions de dollars. Le film lance le road movie contestataire comme L’Épouvantail (1973) de Jerry Schatzberg et La Balade sauvage (1975) de Terrence Malick. Le réalisateur Robert Altman, officiant alors à la télévision, tourne en pleine guerre du Viêt Nam M*A*S*H (1970), une satire caustique et antimilitariste sur la Guerre de Corée, où les héros mènent le code militaire jusqu’à l’absurde. Hal Ashby réalise Harold et Maude film portant un regard nouveau sur les comportements sociaux. John Cassavetes, qui jouait auparavant dans des productions commerciales et des séries B, filme les crises et névroses des quadragénaires de la classe moyenne américaine avec Faces en 1968.

 

 

 

 

Deux vagues de cinéastes s’emparent du pouvoir dans les grandes firmes au cours des années 1970. Ils s’affirment comme auteurs et artistes et, de fait, battent en brèche le rôle des producteurs ce qui change la manière de faire un film à Hollywood. Les cinéastes ne forment pas une génération en âge, mais plutôt en esprit…ils ont en commun d’avoir grandi avec la télévision, et surtout de posséder une culture cinéphilique importante, souvent acquise à l’université. Pour eux, l’influence du cinéma européen des années 60 est déterminante, comme celle des maîtres du cinéma américain classique. Leurs œuvres, pleines d’une imagination fertile et d’une énergie rare, prennent des risques. Ils se démarquent de la narration classique fondée sur l’évocation chronologique des événements et postulent un doute quant aux motivations des personnages et, de là, se refusent à les juger, jettent un regard critique, voire pessimiste, sur la société américaine en abordant de front la représentation du sexe et de la violence. Le public, exigeant, curieux et avide de nouvelles expériences cinéphiliques, accueille avec enthousiasme ces films.

 

Période magique, qui réinvente le cinéma américain.

 

La première vague est celle des metteurs en scène nés dans les années 1930…

 

 

 

 

La seconde est celle des baby boomers qui n’a pas connu la Seconde Guerre mondiale et fréquente les écoles de cinéma…

 

 

 

La révolution du « Nouvel Hollywood » ouvre l’accès des grands studios à des cinéastes britanniques singuliers et radicaux comme John Schlesinger Macadam Cowboy, John Boorman Délivrance, Ken Russell Love. Elle permet également à des auteurs européens, débutants ou établis, de faire carrière aux États-Unis…Miloš Forman Vol au-dessus d’un nid de coucou, Roman Polanski Chinatown Bernardo Bertolucci Le Dernier Tango à Paris, Sergio Leone Il était une fois en Amérique.

 

 

 

 

L’humoriste Woody Allen commence à représenter les névroses souvent sexuelles d’un citadin moderne dans des comédies originales, emplies d’un humour juif new-yorkais corrosif, comme Annie Hall ou Manhattan. Avec ses lunettes et sa silhouette frêle, Allen, premier rôle dans la plupart de ses films, devient la figure emblématique de l’anti-héros de cette époque. Dans ses films, l’intrigue repose sur une trame intimiste et sentimentale réduite au strict minimum. Le protagoniste y est sans cesse contrarié et frustré dans l’atteinte d’objectifs flous et contradictoires. Le principe de la quête du héros, présente dans le cinéma classique hollywoodien, est largement mis en crise. Woody Allen, scénariste et réalisateur, est également l’acteur de ses créations. Cette liberté est rendue possible grâce à la United Artists qui produit des films dans les années 1970 dont elle tire un certain bénéfice aussi bien culturel et populaire que pécuniaire. Mel Brooks crée une série de films parodiques comme Frankenstein Junior (1974) ou La Dernière Folie de Mel Brooks (1976) dans lesquels le temps du Hollywood classique est irrespectueusement moqué mais sans animosité. Rosemary’s Baby (1968) immerge le spectateur dans les angoisses d’une jeune femme livrée au diable. Brian De Palma avec Carrie au bal du diable (1976) et Stanley Kubrick avec Shining (1979) adaptent chacun à leur manière le romancier d’épouvante à succès Stephen King. Deux œuvres cultes dans laquelle un jeu de références et de signes complexes jalonne une mise en scène hypnotique, virtuose et conceptuelle qui scrute la désagrégation meurtrière de la cellule familiale ou l’intrusion de pulsions morbides dans le puritanisme anglo-saxon.

 

 

 

 

La musique populaire des années 1960-1970 est largement utilisée comme bande originale dans les films du « Nouvel Hollywood ». Le célèbre chorégraphe Bob Fosse revient sur les heures sombres de l’Histoire et fusionne références à la peinture, cinéma expressionniste, théâtre et tradition musicale de Broadway dans Cabaret (1972) qui remporte huit Oscars. Le film de Michael Wadleigh sur Woodstock est considéré comme un document témoin de la « génération flower power ». Dans La Dernière Valse, Martin Scorsese filme le concert d’adieu du groupe The Band. En 1979, Hair de Milos Forman devient la première comédie musicale sur le mouvement hippie et la jeunesse contestataire.

 

 

 

 

Les films de science-fiction du « Nouvel Hollywood » se distinguent par leur climat pessimiste et critique à l’égard de la civilisation. Dans La Planète des singes (1967) et Le Survivant (1970), Charlton Heston s’aventure dans des mondes post-apocalyptiques oppressants. Soleil vert (1973) montre la phase terminale de la civilisation occidentale, sous l’emprise du brouillard, de la pollution et d’une nouvelle forme de cannibalisme. En 1971, Stanley Kubrick provoque un scandale retentissant lors de la sortie de son film d’anticipation Orange mécanique, adapté d’Anthony Burgess, dans lequel une bande de jeunes désœuvrés se livre avec délectation à des actes d’ultra-violence. Dans THX 1138 (1971) de George Lucas, les victimes imberbes d’une dictature aseptisée se rebellent contre leur bourreau. Le film Alien – Le huitième passager de Ridley Scott révolutionne l’esthétique et la narration du film de science-fiction, représente à travers une atmosphère cauchemardesque l’extermination d’un équipage de vaisseau spatial par un extraterrestre.

 

 

 

 

Le réalisateur chevronné d’Hollywood Sam Peckinpah signe des westerns de troisième génération inimitables, poétiques et pessimistes comme La Horde sauvage. La sympathie de Peckinpah va ostensiblement aux hors-la-loi en situation d’échec à l’instar des bandits attendrissants de Butch Cassidy et le Kid de George Roy Hill (1969) devant un État tout-puissant qui les abattra sans pitié. Dans Little Big Man (1970) « antiwestern » satirique et divertissant, Dustin Hoffman incarne un anti-héros amical au milieu des guerres indiennes. Les sympathiques Indiens du film contrastent avec la représentation du héros national George Armstrong Custer en psychopathe brutal. Dans John McCabe (1971), Robert Altman s’affranchit de toutes les règles du genre et trace le portrait d’un aventurier désabusé dans une ville bourbeuse de l’Ouest. Robert Redford incarne pour Sydney Pollack un jeune trappeur qui découvre la beauté et la cruauté des Rocheuses dans Jeremiah Johnson en 1971. La grande vedette des westerns spaghetti Clint Eastwood rend, comme metteur en scène, hommage au genre baroque qui l’a révélé et à son réalisateur-fétiche Sergio Leone dans L’Homme des hautes plaines (1971).

 

 

 

 

D’anciens cinéastes inscrits sur la « liste noire », au temps du maccarthysme, sont réhabilités et reviennent au premier plan avec des longs métrages intimistes et militants. Le « Nouvel Hollywood » permet à des acteurs comme Jack Nicholson/Clint Eastwood/Peter Fonda/Paul Newman/Robert Redford et Warren Beatty de devenir metteurs en scène. De même, des scénaristes talentueux comme Paul Schrader passe, avec succès, à la réalisation. Le temps du Hollywood classique qui bloquait toutes passerelles professionnelles est révolu. Dans le « Nouvel Hollywood », le réalisateur tient une place centrale. Responsable de l’histoire et du regard artistique qui en découle, il dispose du FINAL CUT, et décide jusqu’au bout du montage de son film. Dans les productions antérieures, seuls les producteurs ou les directeurs de studio détenaient ce pouvoir. L’esprit de liberté et d’indépendance prime, y compris dans les projets les plus coûteux. La plupart des réalisateurs du « Nouvel Hollywood » se reconnaissent dans la tradition européenne du cinéma d’auteur où le réalisateur est considéré comme le principal créateur du film et s’implique aussi bien dans l’écriture du scénario que la production et le montage. Beaucoup des innovations du Nouvel Hollywood stylistiques ou narratives s’inscrivent dans la continuité de la Nouvelle Vague française, du néoréalisme italien, du Free cinéma britannique et des cinéastes modernes des années 1960 comme Michelangelo Antonioni/Ingmar Bergman/Federico Fellini/Andreï Tarkovski/Alain Resnais, etc…Très cinéphiles, les nouveaux metteurs en scène américains s’enthousiasment pour la qualité du cinéma européen et admirent des réalisateurs comme Resnais/Dreyer/Fellini/Truffaut/Bergman/Godard/Renoir/Visconti/Buñuel/Antonioni/Rossellini. Ils accueillent aussi favorablement les cinéastes venus d’Asie comme Satyajit Ray/Kenji Mizoguchi/Akira Kurosawa. Ils prennent alors ostensiblement leurs distances avec les productions commerciales d’Hollywood et suivent un cheminement original qui les amène à exprimer une vision personnelle dans des œuvres subtiles et matures. Comme chez Godard/Truffaut/Antonioni/Bergman, leur style va à rebours des règles classiques…Les récits prennent un rythme plus leste et sont en apparence moins structurés, les personnages paraissent plus opaques, ambivalents ou inaccessibles et sont parfois sans désir d’action, le sens est moins lisible, les valeurs exposées plus complexes et abstraites et les fins plus ouvertes, voire ambiguës…Orange mécanique, Serpico, Une femme sous influence, Taxi Driver. Sur l’exemple de Fellini/Buñuel et Bergman, certaines œuvres recréent une forme de souvenir fantasmé et d’autofiction Annie Hall ou abolissent les frontières entre rêve, réalité, mythologie et hallucination Apocalypse Now, Que le spectacle commence, Shining...

 

 

 

 

Les grands rôles du « Nouvel Hollywood » ne reviennent en général pas aux stars hollywoodiennes bien établies dont beaucoup connaissaient un déclin de carrière à la fin des années 1960. On les remplace par des interprètes loin des canons physiques du genre, sans véritable glamour, mais d’un talent incontestable et rapidement reconnu. Dans l’intention d’instaurer un nouveau naturalisme et une expressivité plus grande du jeu des personnages, naissent les carrières de Gene Hackman/Robert Duvall/Christophe Walken/Donald Sutherland/John Cazale/Bruce Dern, Elliott Gould/James Caan/Martin Sheen/Richard Dreyfuss. Beaucoup de ces acteurs, qui viennent de la scène off-Broadway, n’auraient pu aspirer qu’à de petits seconds rôles dans l’ancien système hollywoodien. Jack Nicholson/Dustin Hoffman/Al Pacino/Robert De Niro/Warren Beatty/Robert Redford représentent les acteurs majeurs de cette époque. Grâce à leur engagement intensif, leur magnétisme et leur manière extrême d’« habiter » leurs personnages, ils gagnent leurs galons de « superstars » et de mythes d’Hollywood qui durent encore aujourd’hui. Malgré leur allure plus conforme au stéréotype d’acteur-star, ils apportent à leur jeu un scepticisme, une ambivalence et une mélancolie à l’opposé du glamour. De plus, ils assument les fonctions de réalisateur et producteur. Jon Voight/Ryan O’Neal, également remarqués pour leur physique, interprètent des rôles marquants. Des acteurs déjà reconnus comme Burt Lancaster/Paul Newman/Steve McQueen/Burt Reynolds travaillent avec les plus importants réalisateurs du mouvement. La légende Marlon Brando, après un « trou » de carrière, est relancée grâce à Francis Ford Coppola et ses rôles dans Le Parrain et Apocalypse Now.

 

 

 

 

Mais les thèmes « masculins » du « Nouvel Hollywood » laissent peu de place aux actrices pour les principaux rôles. Parmi les actrices ayant émergé du mouvement, on compte Jane Fonda/Faye Dunaway/Barbra Streisand/Jill Clayburgh/Diane Keaton/Liza Minnelli/Susan Sarandon/Meryl Streep/Shelley Duvall/Julie Christie/Sissy Spacek.

 

 

 

 

Alors qu’auparavant, les grandes firmes et le star system déterminaient le nom et la place des chefs techniciens sur un film en fonction des comédiens et de la signature esthétique revendiquée par chaque studio, ce sont désormais les cinéastes qui choisissent leurs collaborateurs. La nouvelle génération de techniciens, venus du monde entier, sait se mettre au service de la vision artistique des metteurs en scène dont elle fait rayonner le style. Des monteurs, ingénieurs du son, directeurs de la photographie, décorateurs et créateurs de costumes virtuoses et novateurs émergent dans la nouvelle industrie du cinéma. De même, de nouvelles têtes de la production jouent le rôle de découvreurs de talents au sein des studios. Elles deviennent les chevilles ouvrières de projets ambitieux tant sur le plan financier qu’artistique et portent aux nues les réalisateurs du « Nouvel Hollywood ». Côté technique, plusieurs innovations permettent à de nouveaux styles de narration et d’image d’éclore. À l’instar de la Nouvelle Vague, les cinéastes peuvent quitter les plateaux pour tourner en extérieur grâce à des caméras plus légères et des pellicules plus sensibles à la lumière du jour. Parfois, un style quasi-documentaire en lumière naturelle et sans éclairage supplémentaire est développé. La ville, qui est filmée telle quelle, avec ses rues bondées et ses ambiances sonores contrastées, supplante les décors de studio. L’esthétique typique de ces films urbains peut se définir comme celle de « documentaires mis en scène » Macadam Cowboy, French Connection, Mean Streets avec une utilisation très novatrice de la caméra portée. Cette approche réaliste, qui vise à apporter un point de vue objectif sur le monde, est souvent combinée paradoxalement à un style expressionniste dont le parti pris stylistique met en exergue la subjectivité du regard. Influencés par la modernité européenne, les cinéastes s’écartent des canons techniques et esthétiques de l’âge d’or. Les réalisateurs new-yorkais John Cassavetes et Woody Allen se distinguent par le rejet des normes du grand spectacle hollywoodien. Ils élaborent un cinéma personnel et quasi-expérimental avec une utilisation répétée du panoramique, plans inscrits dans la durée, pas ou peu de champs-contrechamps, cadres instables ou non-posés etc. Sous l’impulsion des groupes de rock alternatifs puis de la jeunesse utopiste du Summer of Love et du Festival de Woodstock dans lesquels il se reconnaissent, plusieurs cinéastes du « Nouvel Hollywood » ne cachent pas leur consommation importante de drogues et évoquent ou illustrent, à travers leurs images, le psychédélisme en vogue.

 

 

Les films du « Nouvel Hollywood » sont concernés par les sujets de société et évoquent les mouvements de protestation, notamment de la jeunesse militante dans ce pays, en faveur d’une consommation plus libre de l’alcool et des drogues, contre les codes imposés et la guerre du Viêt Nam. Il n’est pas rare d’entendre dans les bandes originales des films les groupes de musique qui symbolisent ces aspirations, comme Bob Dylan, Cat Stevens, Simon and Garfunkel, Steppenwolf, The Doors ou encore les The Rolling Stones. L’engagement au Vietnam, ses atrocités, son absurdité et ses répercussions sur l’individu sont justement interrogés dans des films aussi différents que Le Retour (1978) de Hal Ashby, Voyage au bout de l’enfer (1978) de Michael Cimino et Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola, deux fresques épiques dont le triomphe planétaire renouvelle l’esthétique et le traitement du film de guerre. Les histoires du Nouvel Hollywood ne se déroulent pas dans un monde idyllique et hermétique, mais font place à une vision réaliste des individus et de leurs problèmes. On ne monte pas les protagonistes en héros, mais on interroge leurs actions et analyse leurs motivations profondes. Beaucoup d’entre eux se heurtent aux réalités sans trouver de remèdes, ou finissent par leur échec souvent fatal en martyrs d’un « système » qui les a moralement vaincus. Souvent, les personnages se retrouvent confrontés à une violence qui n’est pas justifiée par une loi d’urgence destinée à retrouver l’équilibre communautaire et social comme dans les anciens westerns. Pouvoir et barbarie sont intimement liés et l’idéologie officielle est remise en cause, notamment sur la vision de l’Histoire.

 

 

 

 

Les représentants de l’autorité ou les structures sociales traditionnelles (État, famille, Église…) sont corrompus, psychopathes et comploteurs. Les valeurs conservatrices et obsolètes de la middle class sont moquées ou fustigées. L’idéologie nauséabonde et le racisme ordinaire de l’Amérique profonde sont dénoncés. Les hommes de pouvoir, les haut placés s’érigent en banqueroutiers moraux. Derrière des apparences de bienséance, ils conduisent des manœuvres opaques dignes des services secrets menaçant des citoyens moyens inoffensifs. Sexe, immoralité et violence extrême, auparavant censurées par le code Hays, se mêlent dans des histoires crépusculaires et désespérées. Le « Nouvel Hollywood » reflète l’état d’insécurité et de paranoïa de l’ère du Viêtnam et du Watergate. Il atteint son sommet artistique et commercial au début des années 1970. Des réalisateurs qui n’avaient tourné jusqu’ici des films à petit budget, remportent un succès critique et public considérable tant aux États-Unis qu’à l’international. William Friedkin initie en 1971 avec French Connection le prototype du film policier moderne et compose avec Gene Hackman son personnage d’enquêteur des « stups » fanatique au racisme latent. Friedkin récidive deux ans plus tard avec L’Exorciste, film d’horreur très novateur sur le plan technique et plastique qui devient un phénomène mondial. Le Franco-Polonais Roman Polanski, installé à Hollywood depuis plusieurs années, surprend critique et public avec l’intrigue à tiroirs et l’atmosphère vénéneuse de Chinatown (1974), brillamment mis en scène, dans lequel Jack Nicholson interprète un détective privé fanfaron au nez tailladé. À noter qu’il s’agit d’une œuvre de commande que le cinéaste s’approprie totalement et qui relance, avec Klute (1971) d’Alan J. Pakula et Le Privé (1973) de Robert Altman, la mode du film noir américain avec cependant une approche encore plus sombre et pessimiste que celui des années 1940.

 

 

 

 

Francis Ford Coppola connaît une vague de triomphes sans précédent. Après avoir gagné l’Oscar du meilleur scénario original pour le film de guerre biographique Patton, il fascine le public et la critique avec sa fresque monumentale du « Parrain » sur la mafia italo-américaine. Le Parrain montre Marlon Brando dans le rôle souvent parodié de patron baroque de la pègre, dont la notion d’honneur n’est pas partagée par ses successeurs et concurrents sans scrupules. Avec sa suite Le Parrain 2 (1974), et la fascinante et grandiose épopée sur le Viêt Nam Apocalypse Now, Coppola s’impose comme l’un des réalisateurs les plus influents et les plus puissants des années 1970. Il est le seul cinéaste à avoir signé un film et sa suite couronnés par l’Oscar du meilleur film avec Le Parrain 1 en 1973 et Le Parrain 2 en 1975. En 1979, il ouvre le club très fermé des réalisateurs deux fois lauréats de la Palme d’or au Festival de Cannes qu’il l’emportera pour Conversation secrète et Apocalypse Now. Les films de Coppola, Friedkin ont en commun d’avoir transformé le « chic radical » du « Nouvel Hollywood » en un style plus tempéré, destiné à un plus large public, peu de temps avant le déclin du mouvement, supplanté par l’ère des blockbusters.

 

 

 

 

Le réalisateur Martin Scorsese est un Italo-Américain comme Coppola, issu comme lui et d’autres, de l’école du producteur de séries B Roger Corman, qui a bâti un système indépendant efficace et très lucratif. Scorsese c’est 25 films en 50 ans de carrière…Au début il convainc critique, public et profession en 1973 avec Mean Streets, un portrait au réalisme appuyé de petits truands qui errent dans les rues New York. Il réalise ensuite le drame naturaliste Alice n’est plus ici (1974) qui dénote l’influence de Cassavetes et vaut à Ellen Burstyn l’Oscar de la meilleure actrice. En 1976, il signe Taxi Driver, Palme d’or à Cannes. L’œuvre, écrite par Paul Schrader marque son époque et installe l’univers de prédilection du réalisateur…Faune new-yorkaise, personnages à la dérive, confusion du bien et du mal, violence cathartique et questionnement métaphysique. C’est un immense succès et devient presque immédiatement un classique de l’histoire du cinéma. Robert De Niro s’y révèle…L’angoissant Raging Bull, où la prestation de De Niro fait de nouveau date, devient en 1980 un autre classique scorsesien. Après le milieu des années 1970, le succès des réalisateurs établis du « Nouvel Hollywood » comme Mike Nichols/Robert Altman/Arthur Penn s’amenuise. D’autres metteurs en scène comme George Roy Hill/Sidney Lumet/Alan J. Pakula accomplissent, dans un style novateur, des films à succès, plus accessibles aux masses, comme L’Arnaque (1973), Network (1976) ou Les Hommes du président (1976). Ils y allient la tradition du « Nouvel Hollywood », notamment pour le principe de dénonciation sociale à une histoire et une mise en scène plus adaptées aux normes commerciales…

 

 

 

 

« We blew it ! On a tout foutu en l’air ! ». Le NH apparaît alors comme une parenthèse, une illumination sans lendemain, à la durée plutôt courte. Le moment véritablement « euphorique » ne dure que de 1967 à 1975…Très vite le «désenchantement » ou pire, la « destruction ». C’est qu’entre 67 et 79 quelque chose s’est brisé, l’Amérique plonge dans le doute…Les mouvements contestataires et la contre-culture s’essoufflent, la guerre du Viêt-Nam prend fin, la récession économique s’installe, le scandale des écoutes du Watergate et la démission de Nixon en 1974 cassent la foi en l’avenir. La génération des sixties, celle des idéaux et des combats engagés, laisse la place à la nouvelle génération, obsédée par la célébrité et l’argent, les valeurs qui seront celles des années Reagan. Les films, eux, répercutent quasi en direct cette rupture des mentalités, le regard que les cinéastes et les œuvres portent sur le monde a changé avec un sentiment de désillusion général. Les films paranoïaques se multiplient, où chacun se replie au sein de bulles privées qui ne communiquent plus entre elles…L’asile de fous de Vol au-dessus d’un nid de coucou (1975) la schizophrénie de Sissy Spacek dans Carrie (1976), la paranoïa de Gene Hackman dans Conversation secrète (1976), ou De Niro dans Taxi Driver (1976). Le déclin du « Nouvel Hollywood » c’est tout le public qui boude les films que réalisent Scorsese New York New York en 1977 et le chef d’oeuvre de Cimino, La porte du paradis (1980), sur lequel se referme pour de bon le miracle du « Nouvel Hollywood »….Les studios se tournent d’une manière radicale vers des films formatés et lucratifs…

 

 

 

 

 

 

GEORGE LUCAS & STEVEN SPIELBERG.

 

Issus de la même génération, ils anticipent le retour du conformisme et vont réaliser des films qui font « du bien aux gens » en réactivant des structures narratives d’avant-guerre et son cortège de visions binaires. Les grandes mythologies reprennent le dessus…Héroïsme / Individualisme / l’American way of life, et l’Amérique est de nouveau triomphale et conquérante, telle qu’avant la fêlure. Le grand recyclage signe la résurrection d’un monde parfait pourtant bien anachronique.

 

 

 

 

 Spielberg retient l’attention dans son thriller Duel en 1971, avec Les Dents de la mer en 1975 énorme succès appuyé par un marketing efficace, le film devient le précurseur des blockbusters de l’été. Avec son film d’ovnis optimiste et visuellement spectaculaire Rencontre du troisième type, Spielberg donne un contrepoint aux visions apocalyptiques de la science-fiction traditionnelle. George Lucas dépasse l’immense succès de Spielberg et signe un premier gros succès en 1973 avec le nostalgique American Graffitia film rétro sur les années 50 et leurs valeurs refuges. En 1977, son « Space Opéra » Star Wars bat tous les records d’entrées et établit une « religion » nouvelle de culture populaire. Star Wars, dont la trame merveilleuse peut être comparée à un conte de fées ou un roman de chevalerie, préconise la structure formelle des blockbusters de la décennie suivante…Caractères bien identifiés, victoire des « gentils » sur les « méchants », histoire sentimentale se terminant bien, à l’opposé des thèmes polémiques du « Nouvel Hollywood ». L’abondance d’effets sonores et visuels, la force de frappe marketing et le merchandising international et le lancement de nombreux produits dérivés complètent cette « formule du succès », sans cesse reprise par la suite à Hollywood. L’émergence de Spielberg et Lucas, qui inventent le blockbuster « positif » scelle la fin du « Nouvel Hollywood », sceptique, critique et tourné vers une vision artistique mature, sur le modèle des auteurs européens. Ces deux cinéastes profitent donc largement du progrès technique sur le  son et les effets spéciaux, pour renouveler l’imagerie du cinéma grand public. Les triomphes commerciaux qu’ils entreprennent relèvent la situation économique de Hollywood et réorientent les productions de studio vers le jeune public, désormais conditionné par la télévision. Les films à gros budget, qui voient le jour, s’appuient alors sur le grand spectacle, l’action, la simplicité de récits manichéens et des protagonistes pleins de bons sentiments. Après la fin de la guerre du Viêtnam et la chute de Richard Nixon, le public de masse veut voir à nouveau des films légers à happy end, tournés vers l’évasion et l’imaginaire et non de constantes évocations de dysfonctionnements sociaux, moraux, judiciaires ou politiques. 

 

 

 

 

 

 

 

 

L’ère des « Popcorn movies » films popcorn, destinés à une large exploitation, s’instaure. Les producteurs en profitent pour reprendre la mainmise totale, qu’ils avaient perdue vingt ans plus tôt, sur le financement, la fabrication et le montage des films. Sous l’ère Reagan, en dépit de productions résiduelles comme Reds (1981) de Warren Beatty qui évoque la naissance des mouvements socialiste et communiste américains, le cinéma de studio s’oriente vers des succès optimistes et patriotiques, intimement liés à l’idéologie d’État Rambo 2 : La Mission/Top Gun. Spielberg et Lucas consolident leur position de réalisateurs-producteurs à travers des trilogies très lucratives Star Wars/Indiana Jones/Retour vers le futur. Ils mettent sur pied des projets plus lisses et moins personnels qui abondent d’effets spéciaux et se tournent résolument vers le divertissement. La génération des entertainers est lancée, promue et produite en grande partie par Spielberg et Lucas. Celle-ci établit les bases d’un nouveau cinéma enfantin et spectaculaire Qui veut la peau de Roger Rabbit. Robert Zemeckis, Ron Howard ou encore James Cameron supplantent leurs aînés. Des films d’action d’envergure comme Terminator/Aliens le retour/RoboCop/Piège de cristal deviennent des succès mondiaux et fondent un nouveau sous-genre. La superficialité des spots publicitaires et des clips est adaptée à l’écran avec succès Flashdance/9 semaines 1/2. Ces triomphes planétaires renflouent les majors qui se dotent d’une meilleure maîtrise de la diffusion, la promotion et la vente des films à la télévision. 

 

 

 

 

La mondialisation économique renforce leur suprématie sur le marché et les place entre les mains de grands trusts. Les cinéastes importants des deux décennies précédentes comme Penn/Nichols/Coppola perdent leur influence et s’installent dans la routine des films de commande. La carrière de Bogdanovich/Friedkin/Ashby qui décède en 1988, Altman et Scorsese stagne, celle de Hill/Sidney Lumet/Pakula décline et celle de Cimino s’effondre. De nouveaux réalisateurs, qui revendiquent l’influence du « Nouvel Hollywood » mais restent liés à l’industrie majoritaire, finissent par les détrôner aux yeux du public et des votants aux Oscars à l’instar d’Oliver Stone Platoon 1986 Né un 4 juillet 1989 / Barry Levinson Rain Man 1989. Au milieu des années 1980, l’époque du « Nouvel Hollywood » est définitivement achevée, mais des vétérans comme Altman ou Scorsese renouent avec le succès critique et public dans les années 1990 Les Affranchis/The Player/Short Cuts/Casino. 

 

 

 

 

En parallèle, de nouveaux cinéastes, pour la plupart issus de la production indépendante, apparaissent. Ceux-ci signent des œuvres conformes aux exigences des studios mais leur style singulier et personnel y trouvent le moyen de s’exprimer…Tim Burton/Michael Mann/Quentin Tarantino/Steven Soderbergh/David Fincher/Les frères Coen. D’autres jeunes réalisateurs originaux, proches de la notion européenne de « film d’auteur », entrent en revanche en conflit ouvert avec les majors Paul Thomas Anderson/James Gray. De grands noms du « Nouvel Hollywood » comme Terrence Malick, reviennent sur la scène publique, mais préfèrent évoluer librement dans les circuits indépendants. À noter que Clint Eastwood continue de profiter de son prestige d’acteur pour consolider son statut de réalisateur majeur et autonome dans l’industrie hollywoodienne. 

 

 

 

 

Depuis la fin des années 1990, face à une production cinématographique mondiale en perte de vitesse, plusieurs séries télévisées, acclamées par la critique, sont considérées comme les héritières des recherches narratives et formelles et des interrogations morales et socio-politiques du Nouvel Hollywood...Les Soprano/The Wire/The Walking Dead/Homeland/Mad Men/Breaking Bad. De leur côté, les machines de guerre des studios et les blockbusters continuent d’affirmer leur monopole grâce au développement des multiplexes et révolutionnent les techniques d’imagerie numérique avec des films comme Titanic/Matrix/Le Seigneur des anneaux/Avatar, Inception…Néanmoins, certains cinéastes comme le vétéran Scorsese et Ang Lee tentent, à travers les grandes firmes, d’utiliser les images de synthèse et la projection 3D pour réaliser des films à grand spectacle plus mures et cinéphiles Hugo Cabret/L’Odyssée de Pi.

 

 

 

 

Le cinéma indépendant, très productif, semble par ailleurs reprendre le flambeau du « Nouvel Hollywood » et s’inscrit dans une forme identique de réactivité immédiate avec l’actualité politique et historique…Démineurs et Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow. De plus, plusieurs grandes vedettes américaines commandent, avec plus ou moins de succès commercial, des films engagés et militants qu’ils produisent, écrivent ou réalisent dans l’esprit des cinéastes des années 1960 et 1970. Brad Pitt finance Un cœur invaincu qui traite de l’assassinat de Daniel Pearl, Matt Damon écrit et produit Promised Land sur l’exploitation du gaz de schiste, Angelina Jolie réalise Au pays du sang et du miel qui revient sur les guerres de Yougoslavie, George Clooney signe Good Night and Good Luck sur le maccarthysme et Ben Affleck met en scène Argo Oscar du meilleur film qui évoque la Révolution islamique iranienne de 1979. En 2013, George Lucas et Steven Spielberg, qui avaient pourtant instauré la suprématie des blockbusters trente ans plus tôt, prédisent publiquement l’échec des futures grosses productions, trop tournées vers le public adolescent et une nouvelle implosion des studios de Hollywood. L’héritage du « nouvel Hollywood » est immense et témoigne de la révolte d’une société, preuve que la jeunesse peut porter une vision du monde propre, moment historique venu bouleverser les codes esthétiques, il est l’empreinte d’un temps par essence éphémère à la postérité grandiose et à l’histoire souvent pathétique.

 

 

 

 

Et maintenant…Depuis la création de NETFLIX en 1997 le cinéma rencontre sa plus grande épreuve après 100 ans d’histoire.

 

 

 

 

 

 

 

60 ans de cinéma pour la gloire et l’histoire…