Pour son édition 2026, le festival CINOPS’YS propose une sélection de 5 films pensée comme un espace de réflexion, de dialogue et de débat autour des grandes questions humaines qui traversent notre histoire et nos sociétés. Pour chacune  des cinq thématiques, deux films complémentaires vous sont proposés afin de confronter les regards, les époques et les expériences. Ces œuvres, parfois éloignées dans le temps ou dans leur approche, se répondent pour interroger nos mémoires, nos choix, nos blessures et notre capacité à évoluer. Ces 10 autres films sont une invitation aux débats, à questionner nos certitudes et à mieux comprendre la complexité humaine. 

 

« Le cinéma est une mémoire qui prend forme, une lumière posée sur les zones d’ombre de l’humanité. »

 

 

 

 

ESCLAVAGE ET HUMANITE…L’OMBRE DE L’HISTOIRE LA LUMIERE DE LA MEMOIRE

La mort est la seule liberté qu’un esclave connaisse.

Stanley Kubrick

 

Cette soirée d’ouverture explore la question de l’esclavage, de la domination et de la quête de liberté. Le cinéma devient ici un outil de mémoire, rappelant les souffrances du passé mais aussi la résistance et la dignité de celles et ceux qui ont lutté pour leur humanité. Deux autres récits de révolte et d’émancipation qui interrogent la condition humaine face à l’injustice et à l’oppression.

 

 

 

 

 

Ce 5ème film sorti en 1960, est particulier dans la filmographie de Stanley Kubrick. Un grand classique du péplum, mais ce n’est pas un film entièrement « kubrickien », car il n’en était pas l’initiateur. Le projet était porté par Kirk Douglas, qui a engagé Kubrick après le licenciement du réalisateur Anthony Mann. Kubrick n’a jamais eu le contrôle artistique du film, contrairement à ses œuvres suivantes. La mise en scène est élégante et ambitieuse. Les scènes de bataille sont spectaculaires sans recourir à des effets spéciaux modernes, avec des milliers de figurants organisés de manière presque géométrique, une caractéristique que l’on retrouvera dans d’autres films de Kubrick. La photographie est magnifique, avec un sens de la composition déjà très affirmé est au service d’un casting exceptionnel avec Kirk Douglas, Laurence Olivier, Charles Laughton, Peter Ustinov qui remportera l’Oscar du meilleur second rôle. Le scénario, écrit par Dalton Trumbo, est également important sur le plan historique car ce film a contribué à mettre fin à la « liste noire » d’Hollywood en créditant publiquement Trumbo, qui avait été écarté pendant le maccarthysme.

Sur le fond, le film est plus qu’un simple spectacle. Il traite de la liberté, de l’oppression, du pouvoir et de la dignité humaine. La célèbre scène du « Je suis Spartacus ! » est devenue l’une des plus emblématiques de l’histoire du cinéma. Si on le compare aux chefs-d’œuvre personnels de Kubrick comme 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange ou Barry Lyndon, le film paraît plus classique dans sa narration et plus conventionnel dans son approche des personnages. On y retrouve moins l’ambiguïté morale, l’ironie et la froideur caractéristiques du cinéaste.

 

 

 

 

Drame historique réalisé par Steve McQueen. Oscar du meilleur film en 2014. Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour Lupita Nyong’o et du meilleur scénario adapté de l’autobiographie de Solomon Northup, publiée en 1853. Le film raconte son histoire…Un homme noir libre vivant dans l’État de New York au milieu du XIXᵉ siècle. En 1841, il est drogué puis kidnappé par des trafiquants d’esclaves et vendu dans le Sud des États-Unis. Pendant douze ans, il endure les violences, les humiliations et les privations de l’esclavage, tout en essayant de préserver sa dignité et l’espoir de retrouver sa famille. Le récit met en lumière les mécanismes de l’esclavage avec la déshumanisation, les violences physiques et psychologiques, ainsi que les choix moraux auxquels sont confrontés les différents personnages. Le film aborde plusieurs thèmes majeurs…L’esclavage et ses conséquences humaines. La liberté et la perte de l’identité. La résilience face à des souffrances extrêmes. Le racisme institutionnel aux États-Unis avant la guerre de Sécession. Le courage de ceux qui résistent à l’injustice. Ce film est considéré comme l’un des plus marquants sur l’esclavage américain. Le réalisateur cherche à montrer la réalité de cette période sans l’adoucir, ce qui rend le film particulièrement puissant et parfois difficile à regarder. Il est souvent étudié dans les écoles et les universités pour comprendre l’histoire de l’esclavage aux États-Unis, mais aussi pour réfléchir aux questions de dignité humaine, de justice et de mémoire.

 

 

 

 

 

 

ON VOUS CROIT…OMBRE DU SILENCE A LA LUMIERE DE LA RECONNAISSANCE

La reconnaissance est la mémoire du coeur.

Hans Christian Andersen

 

Cette thématique questionne la place du regard porté sur l’autre, la reconnaissance des parcours individuels et la nécessité d’entendre les voix longtemps ignorées. À travers des histoires de différences, de combats personnels et de solidarité, ces films invitent à réfléchir sur les préjugés, l’exclusion et la force du lien humain.

 

 

Film sorti en 2013, réalisé par Jean-Marc Vallée qui mêle drame personnel, critique sociale et réflexion sur l’accès aux soins, raconte l’évolution profonde d’un homme confronté à une réalité qui bouleverse sa vision du monde.. Le film est inspiré d’une histoire vraie au milieu des années 1980, début de l’épidémie de VIH/SIDA. Ron Woodroof, un électricien texan, mène une vie marquée par les excès et les préjugés. Lorsqu’il apprend qu’il est séropositif et qu’il ne lui resterait que quelques dizaines de jours à vivre, il refuse de se résigner. Face au manque de traitements disponibles et aux limites des essais cliniques de l’époque, il commence à importer des médicaments non approuvés aux États-Unis mais utilisés dans d’autres pays. Il crée alors un « buyers club », un système où les adhérents paient une cotisation pour accéder à ces traitements, contournant ainsi certaines restrictions légales. Le film aborde plusieurs sujets majeurs…La crise du SIDA dans les années 1980, les difficultés d’accès aux traitements expérimentaux, les conflits entre patients, autorités sanitaires et industrie pharmaceutique, la discrimination envers les personnes homosexuelles et transgenres, la résilience et la solidarité face à la maladie. Le film restitue le climat de peur, de stigmatisation et les débats médicaux qui entouraient le VIH dans les années 1980. Le film a remporté lors de la 86ᵉ cérémonie…Meilleur acteur pour Matthew McConaughey qui a perdu plus de 20 kg pour le rôle, comme Jared Leto meilleur acteur dans un second rôle.

 

Jean-Marc Vallée réalisateur, scénariste et monteur québécois, reconnu pour son style intimiste et très centré sur les personnages. Considéré comme l’un des cinéastes canadiens les plus influents de sa génération. Né le 9 mars 1963 à Montréal, il étudie le cinéma à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) et commence par réaliser des courts métrages avant de se faire remarquer avec plusieurs films québécois. Sa carrière prend une dimension internationale avec C.R.A.Z.Y. (2005), qui connaît un immense succès critique et commercial. Il enchaîne avec plusieurs productions hollywoodiennes. Jean-Marc Vallée était connu pour un jeu d’acteurs très naturel, souvent proche de l’improvisation, une caméra à l’épaule et beaucoup de lumière naturelle, un montage très fluide, parfois non linéaire, il montait lui-même plusieurs de ses films sous le pseudonyme John Mac McMurphy avec des bandes originales très soignées, où la musique joue un rôle narratif important et des histoires de personnes confrontées à un traumatisme, à la maladie, au deuil ou à une quête d’identité. Ses films privilégient les émotions et les personnages plutôt que les effets spectaculaires. Il a marqué le cinéma par sa capacité à créer une grande proximité avec ses personnages et dirigeait les acteurs avec beaucoup de liberté à la recherche des émotions authentiques plutôt que des performances très démonstratives. Jean-Marc Vallée est décédé le 25 décembre 2021, à l’âge de 58 ans, dans sa résidence près de Québec. Son décès, causé par une arythmie cardiaque fatale, a suscité une vive émotion dans le monde du cinéma. Aujourd’hui, il reste une figure majeure du cinéma québécois et international, admirée pour son regard profondément humain sur des personnages souvent fragiles, mais toujours complexes et attachants.

 

 

 

Film américain de 2018 réalisé par Peter Farrellyl…Oscar du meilleur film (2019) du meilleur acteur dans un second rôle pour Mahershala Ali et du meilleur scénario original. Comédie dramatique et road movie, tout en abordant les thèmes du racisme, de l’amitié et des préjugés. Le film se déroule en 1962, en pleine période de ségrégation raciale aux États-Unis. Il raconte le voyage de deux hommes très différents…Tony Vallelonga, surnommé Tony Lip, un videur italo-américain de New York, franc, impulsif et peu éduqué. Don Shirley, un pianiste virtuose noir, cultivé et raffiné, qui entreprend une tournée dans le sud des États-Unis. Au fil de leur périple, les deux hommes apprennent à se connaître, remettent en question leurs préjugés et développent une profonde amitié. Les interprétations de Viggo Mortensen et de Mahershala Ali ont été largement saluées par la critique. Le film explore notamment le racisme institutionnel dans le Sud des États-Unis, les différences de classe sociale et de culture, l’amitié entre deux personnes que tout oppose, la dignité, l’identité et le respect. Il alterne des moments drôles, émouvants et poignants, tout en offrant une réflexion accessible sur les préjugés et les relations humaines. Même si certains aspects historiques sont débattus, le film reste une œuvre marquante grâce à la qualité de ses acteurs et à la force de son récit.

 

 

 

 

 

 

BANSHEE …VIOLENCES SILENCIEUSES

Quand il y a le silence des mots, se réveille trop souvent la violence des maux.

Jacques Salomé

 

Certaines violences ne se voient pas immédiatement. Elles se cachent dans les non-dits, les traumatismes et les blessures intérieures. Cette sélection propose une réflexion sur ce qui est tu, subi ou transmis. Deux œuvres puissantes qui interrogent la mémoire du traumatisme, la souffrance intime et les conséquences des violences exercées sur les corps et les consciences.

 

 

 

 

 

 

Drame psychologique américain réalisé par Alan J. Pakula en 1982. Il est adapté du roman éponyme de William Styron publié en 1979. Brooklyn, juste après la Seconde Guerre mondiale. Un jeune écrivain nommé Stingo emménage dans une pension et se lie d’amitié avec un couple fascinant mais profondément tourmenté. À mesure que Sophie dévoile son passé, le spectateur découvre les traumatismes qu’elle porte depuis la guerre…Le film aborde avec une grande profondeur…Les traumatismes laissés par la Shoah, la culpabilité du survivant, les relations amoureuses destructrices, la maladie mentale et la dépendance, la difficulté de vivre après des événements d’une cruauté extrême. Ce n’est pas seulement un film sur l’Holocauste, c’est aussi une étude psychologique de personnages brisés. L’interprétation de Meryl Streep est considérée comme l’une des plus grandes de l’histoire du cinéma. Pour préparer le rôle, elle a appris le polonais et adopté plusieurs accents afin de rendre crédible le parcours de Sophie. Sa prestation lui a valu l’Oscar de la meilleure actrice en 1983.

 

L’expression « le choix de Sophie » est entrée dans le langage courant pour désigner un choix impossible entre deux options également insupportables. Cette expression provient directement du dilemme vécu par l’héroïne dans le film et le roman. Le film dure environ 2 h 30 et avance lentement, en privilégiant les dialogues et la psychologie des personnages plutôt que l’action. Il est souvent considéré comme un chef-d’œuvre du drame, mais c’est aussi une œuvre très éprouvante sur le plan émotionnel.

 

 

 

 

L’histoire se déroule en 1963, à une époque où l’avortement est illégal en France. Anne, une brillante étudiante interprétée par Anamaria Vartolomei, découvre qu’elle est enceinte. Déterminée à poursuivre ses études et à garder le contrôle de son avenir, elle cherche à avorter clandestinement malgré les risques médicaux, judiciaires et sociaux. Le film suit son parcours dans une société où les femmes disposent de très peu de droits sur leur propre corps. Les thèmes abordés sont…La condition des femmes dans la France des années 1960, le droit à disposer de son corps, la solitude et le silence imposés par la société, les inégalités sociales et l’accès aux soins et la peur, la honte et la pression morale. Audrey Diwan choisit une mise en scène très réaliste, avec une caméra souvent proche du personnage principal, afin de faire ressentir au spectateur son angoisse et son isolement avec une distribution Française brillante. So héroïne Anamaria Vartolomei, Kacey Mottet Klein, Sandrine Bonnaire, Pio Marmaï, Anna Mouglalis. Film largement salué par la critique pour la performance d’Anamaria Vartolomei et pour son traitement sobre et intense d’un sujet historique et toujours sensible. Il est souvent considéré comme l’une des adaptations les plus marquantes d’une œuvre d’Annie Ernaux.

 

 

 

 

 

 

UN SIMPLE ACCIDENT…PARDONNER L’IMPARDONNABLE

Le pardon libère l’âme. Il supprime la peur. C’est pourquoi c’est une arme si puissante.

Nelson Mandela

 

Le pardon est une question complexe…Peut-on réparer l’irréparable ? Peut-on dépasser la douleur sans oublier ? Cette thématique ouvre un débat sur la justice, la mémoire et la reconstruction. Deux approches différentes de la réconciliation, de la résilience et de la possibilité d’un avenir après les blessures de l’histoire.

 

 

Nelson Mandela est l’une des figures les plus marquantes du XXᵉ siècle. Son histoire est souvent résumée par deux éléments extraordinaires…Ses 27 années de prison et sa capacité à pardonner à ceux qui l’avaient privé de sa liberté. Mandela est arrêté en 1962 et, après le célèbre procès de Rivonia en 1964, il est condamné à la prison à vie pour sabotage et lutte contre le régime de l’apartheid. À cette époque, l’apartheid impose une stricte ségrégation raciale en Afrique du Sud. Il passe 18 ans à Robben Island, une île-prison au large du Cap, les conditions sont très dures…Il dort dans une petite cellule d’environ 2 mètres sur 2,5 mètres, casse des pierres dans une carrière de calcaire, reçoit très peu de visites et de lettres, les prisonniers noirs sont moins bien traités que les autres détenus. Malgré tout, Mandela refuse de céder à la haine. Avec d’autres prisonniers, il transforme la prison en une sorte d’« université », où chacun enseigne ce qu’il sait aux autres…Droit, politique, histoire ou langues. Il est transféré à la prison de Pollsmoor. Enfin, il termine sa détention à la prison de Victor Verster, où les conditions sont un peu moins sévères.

Le 11 février 1990, après de longues négociations et sous la pression internationale, Mandela est libéré. Des millions de personnes suivent cet événement à la télévision. Beaucoup s’attendent à ce qu’il appelle à la vengeance après près de trois décennies de captivité. Au contraire, il appelle à la paix et à la réconciliation. Le pardon de Mandela n’était pas un oubli des injustices. Il disait en substance que garder la haine revenait à rester prisonnier. Une de ses citations les plus connues est…

« Le ressentiment, c’est comme boire du poison en espérant que l’autre en mourra. »

 

 

 

Pour Mandela pardonner ne signifiait pas nier les crimes de l’apartheid, il fallait reconnaître la vérité sur les violences, puis construire un avenir commun entre Noirs et Blancs. Une fois devenu président en 1994, Mandela soutient la création de la Commission Vérité et Réconciliation, présidée par Desmond Tutu. Son objectif était de permettre aux victimes de raconter ce qu’elles avaient subi et aux responsables de reconnaître leurs actes. Dans certains cas, une amnistie pouvait être accordée en échange d’aveux complets. L’idée était de rechercher la vérité et de favoriser la réconciliation plutôt que de multiplier les procès ou les représailles. Lors de son investiture comme président en 1994, Mandela invite plusieurs anciens geôliers à assister à la cérémonie. Il porte également le maillot de l’équipe nationale de rugby, les Springboks, symbole jusque-là associé à la minorité blanche. Ce geste contribue à rapprocher les communautés et inspire plus tard le film Invictus.

Son messsage…La justice est indispensable, mais elle ne doit pas conduire à un cycle sans fin de vengeance. Le pardon est une force, non une faiblesse. La réconciliation demande du courage, parfois davantage que le combat lui-même. Son parcours montre qu’un homme peut sortir de 27 années de prison sans renoncer à ses convictions, tout en choisissant de bâtir un avenir fondé sur le dialogue plutôt que sur la haine. C’est cette combinaison de fermeté, de résilience et de pardon qui fait de Nelson Mandela une référence mondiale en matière de paix et de leadership

 

 

 

Film réalisé par Jeanne Herry, sorti en 2023. Inspiré d’un dispositif réel, la justice restaurative, mise en place en France depuis 2014, qui permet à des victimes et à des auteurs d’infractions de dialoguer dans un cadre sécurisé, accompagné par des professionnels. Le récit suit plusieurs personnes dont les vies ont été bouleversées par des crimes ou des délits. Certaines sont victimes de vols avec violence, de braquages ou de violences sexuelles, tandis que d’autres purgent une peine pour les avoir commis. À travers des rencontres collectives ou individuelles, chacun tente de comprendre, de mettre des mots sur son vécu et, parfois, d’entamer un chemin vers une forme de réparation.  La justice restaurative ne remplace pas la justice pénale car elle intervient après la condamnation et vise à aider les victimes à reconstruire leur vie tout en responsabilisant davantage les auteurs. Le cœur du film est le dialogue entre victimes et auteurs. Les victimes expriment leurs peurs, leur colère et les conséquences durables des violences subies. Les auteurs sont confrontés à l’impact concret de leurs actes. Le film interroge la possibilité de retrouver une paix intérieure, sans pour autant effacer le passé. Le film réunit une distribution prestigieuse, avec Leïla Bekhti / Élodie Bouchez / Adèle Exarchopoulos / Gilles Lellouche / Jean-Pierre Darroussin / Miou-Miou. Le film a été largement salué par la critique et les spectateurs pour son réalisme, son écriture sensible et les performances de ses acteurs. Il évite les clichés et montre que la parole peut devenir un outil de reconstruction, sans jamais minimiser la gravité des actes commis.

 

 

 

 

 

 

 

CELLE QUE VOUS CROYEZ…ENTRE OMBRE ET LUMIERE LE PARADOXE DU DESIR

Votre désir sera toujours plus fort que votre intelligence et votre instinctive prudence.

 

Cette dernière thématique explore les mécanismes du désir, de l’attirance, de l’illusion et des choix que l’être humain fait parfois contre sa propre raison. Deux œuvres qui questionnent la séduction, le pouvoir du fantasme et les contradictions entre désir, morale et vérité.

 

 

 

 

Réalisé par Stephen Frears en 1988, adapté du roman épistolaire de Pierre Choderlos de Laclos publié en 1782. Le scénario est signé Christopher Hampton, qui adapte sa propre pièce de théâtre inspirée du roman. L’action se déroule dans l’aristocratie française du XVIIIᵉ siècle, un monde de salons élégants où les apparences cachent des jeux de pouvoir cruels. La Marquise de Merteuil, femme brillante, manipulatrice et profondément rancunière, demande à son ancien amant, le Vicomte de Valmont, séducteur libertin et cynique, de relever un défi…Séduire et corrompre deux femmes réputées vertueuses, notamment Madame de Tourvel, une femme mariée connue pour sa fidélité. Au départ, Valmont voit cette mission comme un simple jeu de domination. Mais lorsqu’un sentiment véritable apparaît, les règles du jeu changent…La manipulation, la jalousie et l’orgueil transforment une intrigue mondaine en tragédie. Ils ne sont pas simplement amants ou ennemis, ils sont deux stratèges qui utilisent la séduction comme une arme. Glenn Close incarne une Merteuil froide, brillante et terrifiante. Son personnage est une femme qui maîtrise parfaitement les codes d’une société dominée par les hommes, mais qui utilise cette maîtrise pour exercer son propre pouvoir. John Malkovich joue un Valmont charmeur, arrogant et ambigu, capable d’une grande cruauté mais aussi d’une vulnérabilité inattendue. Michelle Pfeiffer apporte à Madame de Tourvel une dimension morale et émotionnelle forte, elle représente la sincérité et la possibilité d’un amour authentique dans un univers fondé sur le mensonge.

Ce qui rend le film fascinant, ce n’est pas seulement son intrigue de séduction, mais sa réflexion sur le pouvoir…Aimer devient une manière de dominer l’autre, les personnages cachent leurs intentions derrière la politesse et le raffinement, Merteuil est une figure complexe, à la fois victime des règles sociales de son époque et bourreau des autres, Valmont découvre trop tard que ce qu’il croyait contrôler lui échappe. La grande force du film est de ne jamais réduire Merteuil et Valmont à de simples « méchants ». Ils sont intelligents, séduisants, parfois drôles, mais leur incapacité à aimer autrement que comme un rapport de force les conduit à leur perte. Frears filme cette aristocratie comme un théâtre permanent avec ses salons, ses costumes luxueux et les gestes codifiés deviennent une sorte de masque. La beauté visuelle contraste avec la violence psychologique des personnages. Le film a été particulièrement récompensé pour son travail artistique avec trois Oscars, pour le scénario adapté, les costumes et les décors. Il a également reçu le César du meilleur film étranger.

 

 

 

 

Le dernier film de Stanley Kubrick, sorti en 1999. Kubrick est mort le 7 mars 1999, peu après avoir présenté son montage final au studio et devenu son testament artistique. Le film met en scène Tom Cruise dans le rôle du docteur Bill Harford, un médecin new-yorkais marié à Alice, jouée par Nicole Kidman. Après une conversation où Alice lui avoue avoir déjà ressenti une forte attirance pour un autre homme, Bill se retrouve plongé dans une errance nocturne faite de fantasmes, de jalousie et de découvertes troublantes. Son parcours le mène jusqu’à une mystérieuse société secrète où se déroule une cérémonie masquée.

Le cœur du film n’est pas la sexualité, mais la manière dont le désir peut déstabiliser l’image que l’on a de soi et de son partenaire. Bill pense connaître parfaitement son mariage, puis découvre qu’il existe une part invisible dans l’esprit d’Alice. La scène de la fête masquée est souvent interprétée comme une représentation d’un monde d’élites cachées, où l’argent et le statut permettent d’accéder à des espaces interdits au commun des mortels. Kubrick entretient volontairement l’ambiguïté…Est-ce une véritable conspiration ou le fantasme paranoïaque de Bill ? Le titre, Eyes Wide Shut (« les yeux grands fermés »), résume une contradiction, les personnages voient beaucoup de choses, mais refusent certaines vérités. Bill est éveillé physiquement mais aveugle émotionnellement. C’est la séquence la plus célèbre et la plus discutée. Elle mélange rituel, érotisme, menace et absurdité. Kubrick ne donne jamais une explication claire. Il préfère créer une sensation de malaise. Beaucoup de spectateurs cherchent un « secret » derrière cette scène, mais le film semble surtout parler du sentiment d’être un étranger dans un monde dont on croyait connaître les règles.

Kubrick a travaillé pendant près de trois ans sur le film, avec un niveau de contrôle extrême…Décors, éclairage, répétitions interminables. Le tournage est devenu célèbre pour sa durée exceptionnelle. Il a aussi obtenu des performances très particulières de Cruise et Kidman, qui étaient mariés dans la vie au moment du tournage. Certains le trouvent lent, froid ou hermétique. D’autres le considèrent comme l’un des films les plus riches de Kubrick, parce qu’il fonctionne comme un rêve avec les couleurs, les répétitions, les déplacements dans New York et la musique créent une atmosphère hypnotique plutôt qu’un récit classique. Une lecture possible est que Eyes Wide Shut raconte moins une aventure nocturne qu’une crise existentielle…Un homme découvre que son identité, son mariage et son contrôle sur sa vie reposaient en partie sur des illusions. C’est un film d’adieu très kubrickien…Il ne donne pas de réponse définitive, il laisse le spectateur avec un malaise et une question…Que savons-nous réellement des personnes que nous aimons, et de nous-mêmes ?

 

 

 

 

 

Le tournage a duré environ 15 mois, de novembre 1996 à juin 1998. Un des tournages les plus longs de l’histoire du cinéma pour un film qui n’est pas une superproduction. Stanley Kubrick faisait répéter les acteurs pendant des semaines, parfois pour des scènes très courtes. Il modifiait fréquemment les dialogues et la mise en scène au fil du tournage. Il exigeait de nombreuses prises. Désirait une atmosphère très précise, presque hypnotique, notamment dans les scènes nocturnes et la séquence du bal masqué. Le tournage a aussi été marqué par le fait que Tom Cruise et Nicole Kidman ont dû rester disponibles pendant plus d’un an, ce qui était exceptionnel pour deux stars de leur niveau alors que beaucoup de films hollywoodiens se tournent en 2 à 4 mois. Kubrick a consacré à Eyes Wide Shut un temps comparable à celui d’un projet de très grande ampleur, alors que le film est un drame psychologique en huis clos urbain. Tom Cruise et Nicole Kidman se sont séparés peu après la fin de la période de tournage du film, pas exactement « juste après la fin du tournage »…Le tournage s’est terminé en juin 1998 et e couple a annoncé sa séparation en février 2001 avec un divorce finalisé en août 2001. Ils étaient mariés depuis 1990 et avaient adopté deux enfants. La durée et l’intensité du tournage ont souvent alimenté les spéculations, car Kubrick a demandé aux acteurs de travailler longuement sur des scènes intimes et émotionnellement difficiles, notamment celles concernant le couple. Cependant, Cruise et Kidman ont tous deux expliqué par la suite que leur séparation n’était pas simplement due au film. Leur relation avait déjà ses propres difficultés, et le tournage a surtout nourri une légende autour du fil. Eyes Wide Shut reste associé à un contexte inhabituel…Un couple marié dans la vie joue un couple marié en crise, sous la direction d’un réalisateur connu pour pousser ses acteurs très loin, ce qui a contribué au mythe qui entoure le film.

 

 

Le cinéma éclaire les ombres, révèle les silences et donne une voix aux histoires qui méritent d’être entendues.