Le cinéma japonais est l’un des plus anciens et des plus influents au monde. Il s’est développé au début du XXᵉ siècle et a marqué l’histoire du cinéma grâce à la richesse de ses thèmes, à son esthétique et à ses réalisateurs renommés. Le cinéma japonais a profondément influencé le cinéma mondial. Les films de Kurosawa ont inspiré de nombreux réalisateurs occidentaux, tandis que les œuvres du Studio Ghibli ont contribué à faire reconnaître l’animation japonaise comme un art majeur. Le cinéma japonais se distingue par sa qualité artistique, sa diversité et son influence internationale. Il allie traditions culturelles, innovation et narration profonde, ce qui en fait une référence incontournable dans l’histoire du cinéma. Caractérisé par l’importance des traditions, de la famille et des valeurs culturelles. Un mélange entre modernité et héritage historique. Une grande diversité de genres…Drame, samouraï (jidaigeki), fantastique, horreur (J-horror), comédie et animation (anime).
Ses grandes périodes…Années 1930-1950…C’est L’âge d’or du cinéma japonais. Des réalisateurs comme Akira Kurosawa, Yasujirō Ozu et Kenji Mizoguchi réalisent des œuvres devenues des classiques. Les années 1960-1970 avec l’apparition de la « Nouvelle Vague japonaise », qui aborde des sujets plus politiques et sociaux avec des styles innovants. Depuis les années 1980…Essor du cinéma d’animation et reconnaissance internationale de nombreux réalisateurs. Réalisateurs et studios célèbres..
Akira KUROSAWA / Connu pour ses films de samouraïs et son influence mondiale.
Hayao MIYAZAKI / Cofondateur du Studio Ghibli, célèbre pour ses films poétiques.
Yasujirō OZU / Spécialiste des drames familiaux.
Sur 40 ans entre 1974 et 2014 mes 6 films marquants / 4 Américains – 2 Japonais / Comme toile de fond la culture japonaise avec ses codes, sa violence dans les relations et les actes mais aussi sa poésie.
Thriller qui mêle polar américain et gangsters japonais. Au-delà de l’intrigue policière, le film explore plusieurs thèmes…le poids du passé et des promesses non tenues, l’honneur (giri) et la dette morale (on) dans la culture japonaise, le choc entre les valeurs occidentales et japonaises, le sacrifice personnel au nom de l’honneur. Le scénario, écrit par Paul Schrader et réécrit par Robert Towne, est considéré comme l’un des premiers grands scénarios hollywoodiens à traiter la culture japonaise avec sérieux et respect. Martin Scorsese souhaitait mettre le film en scène après Mean Streets. Le studio Warner Bros. choisit Sydney Pollack, déjà reconnu pour sa capacité à diriger des drames psychologiques et des personnages complexes. Pollack s’est intéressé moins à l’action qu’aux relations humaines. Il a orienté le film vers une réflexion sur l’amitié et l’honneur, une histoire d’amour impossible entre deux cultures, le conflit intérieur des personnages. Cette approche diffère de celle imaginée par Paul Schrader le scénariste, qui voulait un film plus brutal, centré sur le monde criminel des yakuzas. Considéré comme un film culte. Il a influencé de nombreux réalisateurs grâce à sa représentation respectueuse de la culture japonaise, les performances de Robert Mitchum et du japonais Ken Takakura présent 15 ans plus tard dans Black Rain sur les thèmes de l’honneur, la loyauté et le sacrifice. Son regard a fait de Yakuza une œuvre davantage centrée sur les émotions, les valeurs morales et les relations entre l’Orient et l’Occident.
Il est considéré comme un grand film humaniste et écologique. Oscar du meilleur film en langue étrangère en 1976. Après plusieurs années sans tourner au Japon, Akira Kurosawa en 1974/75 accepte une proposition sur une coproduction soviéto-japonaise. Son unique film tourné hors du Japon. Adaptation des récits autobiographiques de l’explorateur russe Vladimir Arseniev, publiés dans les années 1920. L’histoire se déroule au début du XXᵉ siècle, dans la taïga de l’Extrême-Orient russe, au moment où l’Empire russe entreprend de cartographier et d’explorer ces territoires encore peu connus. Le film montre et parle du lien entre Arseniev et Dersou qui dépasse les différences de culture, de langue et de statut social. Le rapport à la nature…Dersou considère la nature comme un être vivant qu’il faut respecter, tandis que les explorateurs occidentaux cherchent à la mesurer et à la maîtriser. Le choc entre tradition et modernité…Le mode de vie de Dersou disparaît face au progrès, à l’urbanisation et à la colonisation des espaces sauvages. L’humanisme…Kurosawa célèbre la solidarité, le respect de l’autre et la dignité humaine.
Michael Cimino avait connu une ascension exceptionnelle avec Voyage au bout de l’enfer (The Deer Hunter), qui remporte plusieurs Oscars en 1979, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur. À la fin des années 1970, il est considéré comme l’un des grands espoirs du cinéma américain, aux côtés des réalisateurs du Nouvel Hollywood. Sa carrière bascule en 1980 avec La Porte du paradis (Heaven’s Gate). Le film, très ambitieux, connaît un dépassement massif du budget, une production chaotique et surtout un échec commercial retentissant à sa sortie. Cimino est vu par une partie de l’industrie comme un réalisateur talentueux mais difficile à contrôler. Les studios deviennent méfiants à son égard. Il doit donc revenir avec un projet plus encadré. Ce film représente pour Cimino une tentative de reconquête artistique et professionnelle, il revient au film de genre avec le polar, travaille avec un budget limité et retrouve une mise en scène spectaculaire et une vision très personnelle de la violence. Il ne retrouvera jamais le statut dominant qu’il avait après Voyage au bout de l’enfer.
En 1985 le Japon est perçu aux États-Unis comme une puissance montante. Osaka y apparaît comme une ville moderne, industrielle et inquiétante, avec ses néons, ses rues humides et son atmosphère de mégalopole étrangère. L’enquête policière raconte la confrontation entre deux cultures dans une ambiance sombre proche du film noir…Pluie permanente, éclairages au néon, fumée, décors urbains oppressants. La photographie de Jan de Bont et la musique de Hans Zimmer contribuent fortement à l’identité visuelle et sonore du film. Le film présente les USA comme supérieurs au Japon. Nick est un policier compromis, soupçonné de corruption, tandis que le Japon est un mélange tradition, ordre social et violence mafieuse. Il y a un choc des cultures entre Orient et Occident. Une question d’honneur et de loyauté face à la corruption. L’homme arrogant est obligé d’apprendre d’une autre culture. Après Alien, le huitième passager et Blade Runner, Black Rain montre son intérêt pour les univers urbains sombres et les sociétés en mutation dans un style et une atmosphère très visuel. Black Rain est moins un simple film policier qu’un récit de confrontation culturelle, où Ridley Scott transforme Osaka en un labyrinthe de lumières, de pluie et de tensions entre deux mondes.
Sofia Coppola est une réalisatrice, scénariste et productrice américaine née en 1971. Fille du cinéaste Francis Ford Coppola, elle développe très tôt un intérêt pour le cinéma, mais construit progressivement une identité artistique propre. Son style est reconnu pour sa mise en scène épurée, son rythme contemplatif, sa photographie soignée et l’importance de la musique dans la narration. Dans ce film de 2003 Sofia Coppola privilégie, de longs plans calmes, peu de dialogues explicatifs, une ambiance mélancolique, une bande originale qui traduit les émotions des personnages, une fin ouverte laissant place à l’interprétation. Les personnages se sentent profondément seuls et s’interrogent sur leur avenir. Tokyo n’est pas seulement un décor, la ville devient presque un personnage. Elle symbolise le dépaysement, la modernité et la surconsommation, l’isolement dans une immense métropole, le contraste entre agitation extérieure et vide intérieur. Considéré comme l’un des films majeurs des années 2000. Il a remporté l’Oscar du meilleur scénario original pour Sofia Coppola et a été salué pour sa représentation sensible de la solitude, de l’amour et de la difficulté à communiquer.
Film d’animation inspiré de la vie de l’ingénieur aéronautique japonais Jirō Horikoshi, concepteur du célèbre avion de chasse Mitsubishi A6M « Zéro ». Le film mêle des faits historiques à une histoire d’amour fictive, inspirée du roman Le Vent se lève de Tatsuo Hori. Ce film est particulier dans la carrière de Miyazaki car il s’agit d’un de ses films les plus réalistes, avec très peu d’éléments fantastiques. Il est inspiré par la passion de Miyazaki pour l’aviation, héritée de son enfance. Son père travaillait dans une entreprise fabriquant des pièces d’avions pendant la guerre. Le réalisateur ne célèbre pas la guerre. Il montre comment un rêve artistique ou scientifique peut être détourné par le contexte historique et militaire.
Le titre provient d’un vers du poème Le Cimetière marin de Paul Valéry « Le vent se lève ! Il faut tenter de vivre. » Cette phrase symbolise l’idée qu’il faut continuer à vivre et à poursuivre ses rêves malgré les épreuves. Prolonger le rêve et la passion pour la création. Faire face à la maladie par l’amour. Malgré les conséquence de la guerre célébrer la beauté éphémère de la vie en accordant le progrès technique et la responsabilité morale. À travers le destin de Jirō Horikoshi, Hayao Miyazaki livre une réflexion sur les rêves, les choix personnels et les conséquences de l’Histoire.
Une œuvre poétique, mélancolique et profondément humaniste.