2015-Expérience unique

 

Je voulais faire quelque chose qui ressemblerait à un monument, que le film lui-même serait symbolique de quelque chose à retenir pour les personnes qui sont encore en vie. La Croisée des vents Martti Helde

 

 

 

 

ÉMOTIONS  par Alain Spira

 

Telle une ère glaciaire s’abattant sur tout un peuple, la dictature stalinienne a ordonné la déportation des Estoniens vers la Sibérie. Nous sommes en 1941 et une famille heureuse prend son petit déjeuner. Dehors, il fait soleil et le bonheur inonde la maisonnée. Mais bientôt, les couleurs du quotidien vont virer au noir et blanc, tous les mouvements de la vie vont se figer en un rictus de douleur. Chassés de leur foyer, le père, la mère et leur fillette sont embarqués comme du bétail pour une destination inconnue. Sur le quai sinistre d’une gare, les hommes sont séparés des femmes et des enfants. Ils ne se reverront jamais…

 

Pour rendre toute la charge émotionnelle de cette tragédie, Martti Helde, un jeune prodige de 27 ans, a l’idée de génie, dès le moment où le drame s’abat sur eux, de figer ses acteurs comme dans un tableau vivant suspendu dans le temps. Il nous convie à une expérience cinématographique inédite où chaque séquence est tournée dans l’immobilité totale des acteurs. Certaines scènes ont demandé six mois de travail pour huit minutes à l’écran ! Pas question pour le cinéaste de recourir aux effets spéciaux, encore moins à la 3 D. Et c’est pourtant saisissant. Seule le mouvement de la caméra et l’habillage sonore exceptionnel animent le film en lui insufflant un relief époustouflant.

 

Inspiré d’une histoire vraie, le fil narratif est tissé à partir des lettres d’Erna, cette mère courage qui, quinze années durant, a écrit à son mari sans jamais pouvoir lui envoyer ses missives, faute de savoir où il se trouvait. Elle y décrit les conditions de survie quotidienne des femmes dans les camps soviétiques, la faim, le froid, les durs travaux, les mauvais traitements, l’isolement désespérant. Lue en voix off, cette correspondance à sens unique, à plume perdue, forme la trame historique, extraordinaire mémorial filmique consacré aux victimes baltes des déportations staliniennes par un jeune cinéaste estonien.

 

Réalisé avec très peu de moyens, Crosswind s’impose dès aujourd’hui, comme une œuvre à part dans l’histoire du cinéma. Aussi ne passez pas à côté de cet événement, et acceptez de vous laisser porter jusqu’à « la croisée des vents ». Vous en sortirez l’âme ébouriffée…

 

 

Alors que nos livres d’histoire ont donné une matière foisonnante pour rapporter l’Holocauste perpétré par Hitler, cette déportation de masse des habitants des pays baltes entre 1941 et 1955, un demi-million de lituaniens, lettons et estoniens, a fait l’objet de publications bien plus discrètes. Ces milliers de paysans, arrachés de leur terre et implantés dans de contrées inhospitalières dans le cadre de la politique de collectivisation stalinienne, des milliers de familles déchirées, anéanties. Un pan d’histoire plutôt méconnu, et pourtant, l’horreur était là, et c’est à un véritable devoir de mémoire que Martti Helde s’est attaqué en réalisant son film. Son film est le premier sur le sujet, l’indépendance des pays baltes ne datant que de 1991, et le sujet ayant été plus que tabou jusque là.

 

Film expérimental qui défriche une forme nouvelle de cinéma. Son point fort c’est une forme qui est en totale résonance avec le fond, une réponse brillante que le cinéaste a trouvée à la question de la représentation de la douleur et de la souffrance de ses ancêtres baltes, estoniens notamment, déportés en masse en Sibérie par le pouvoir stalinien pour de tristes raisons de purge.

 

 

 

ENTRETIEN AVEC MARTTI HELDE

par Dr.Loreta Gandolfi

 

Quelle importance dans votre vision artistique de travailler avec ce fait d’histoire ? C’était censé être un film documentaire d’environ 50 minutes, puis quand on a tourné la première scène on a vu que c’était plus un long métrage que nous avons décidé de faire.

 

Ce film a-t-il été difficile à financer ? Un véritable cauchemar pour la production car j’avais 23 ans quand j’ai commencé le projet, et c’était mon premier film. Tous ceux qui ont vu le matériel avant qu’il ne soit prêt ont apprécié le style visuel, mais personne ne voulait vraiment le financer parce qu’ils ne pensaient pas que cela fonctionnerait comme un film. C’était très difficile pour le producteur d’obtenir des financements. Mais au fur et à mesure que nous tournions le film en trois ans, les gens ont commencé à connaître le projet et à y participer parce que c’était une idée tellement folle que les gens sont parfois prêts à faire n’importe quoi.

 

 

Comment avez-vous rencontré les lettres d’Erna ? Ont-ils une place particulière dans la mémoire historique de la nation ? Pourquoi est-ce sa voix, son point de vue, le canal par lequel nous apprenons la tragédie ? La vérité est que le personnage principal, Erna, n’est pas entièrement une personne réelle. 60% des vétérans du film sont une seule personne, mais 40% sont un mélange de personnes différentes et de victimes différentes. Nous avons utilisé la vie d’Erna pour le récit principal, mais nous avons pris beaucoup d’événements à différentes histoires de vie. L’idée derrière cela était de créer une sorte d’histoire universelle. Nous voulions aussi rendre le film adapté à d’autres victimes. Le personnage principal était censé être synonyme d’un Estonien, pour le peuple. C’est pourquoi même si nous choisissons l’acteur ou l’actrice principal pour le rôle, je cherchais une personne qui refléterait l’Estonie dans les années 1940. L’actrice Laura, qui joue le personnage principal, est le visage de cette époque. Son attitude et sa douleur sont très similaires à celles qui étaient actives à l’époque. Le protagoniste est une métaphore pour une nation. Nous voulions que ces lettres et le personnage et l’acteur soient tous combinés pour refléter la nation comme une seule. Donc, c’est une combinaison. Une combinaison de personnes, d’atmosphères ici en Estonie, dans les années 40.

 

Après avoir passé un an à étudier des témoignages de rescapés de camps, Martti Helde n’a pas écrit de scénario et prenait des notes sur des petites étiquettes. Il a également dessiné la plupart des scènes sur des feuilles de papier ainsi que les mouvements de caméra. Il a choisi l’Estonienne Laura Peterson pour tenir le rôle principal de son film car c’est une comédienne très respectée dans son pays et le réalisateur a eu son père comme professeur de théâtre.

 

 

 

La conception sonore occupe un rôle important dans votre narration ?

Ainsi, la relation entre le son et l’image est dialogique, une relation de sentiments contrastés. Au début, l’image du visage souriant d’Erna face à sa voix off, et des sons plus durs, semblent perturber notre relation avec ce visage souriant et semble, à nouveau, évoquer la violence à venir.

 

Comment avez-vous conçu cette expérience auditive suggestive pour communiquer un sentiment avant les images ?

Lorsque nous tournions le film, nous savions que le son jouerait un rôle important et mon idée était d’utiliser le son comme un élément de l’histoire, une façon de raconter le film. Alors quand nous sommes allés au montage sonore, j’ai dit à mon concepteur sonore que je voulais que le design soit aussi puissant que les images. Je voulais que le son raconte l’histoire mais pas la même histoire. Les Soviétiques ont gardé le plus grand secret sur ces déportations qui ont commencé dès 1939 par des sortes de prélèvements à peine visibles, 580.000 Baltes ont péri dans les crimes de masse de Staline. On ne dispose que de témoignages privés, comme la correspondance d’Erna, que j’ai enrichie de quelques autres et de quelques textes imaginés. Nous n’avions que cinq photos amateurs vraiment brumeuses du train et quelques dessins. L‘idée était de recréer ces images. L’autre aspect était encore plus important avec l’immobilité, le sentiment que le temps s’est arrêté. Cette idée est venue d’une lettre précise trouvée dans les archives. Il y avait une ligne écrite par une dame estonienne…

 

J’ai l’impression que le temps s’est arrêté. Je sens que mon corps a été emporté. Mon esprit est toujours dans ma patrie mais le temps s’est arrêté et rien ne bouge.

 

Je désirais intégrer ce sentiment,  créer un film dans lequel le public ressentirait la même chose que ces gens ressentaient à l’époque. À ce moment-là, j’ai su que je voulais faire un film fixe où personne ne bouge et le style visuel est venu avec cela.

 

 

D’un point de vue physique, était-ce difficile de tourner ? Avez-vous dû répéter pendant plusieurs jours, puis tourner en une seule journée ?

C’était un cauchemar. Au total, il a fallu trois ans et demi pour tourner le film avec deux à six mois de préparation pour chaque scène. La plus grande à la gare  avec 150 acteurs et six mois de préparation. Nous avons fait des plans pour savoir où et comment se situer et tous les acteurs ont un numéro. Nous avons répété pour les costumes et les éclairage, avec une unique journée pour le tournage à cause du budget. Seize heures à tourner avec une seule prise de bonne, les autres étaient floues en raison d’un vent trop fort. Il était presque impossible de tourner cette scène.

D’autres scènes n’ont pris que trois mois ou quatre mois. Pour chacune je détaillais la scène dans laquelle les figurants allaient jouer, j’expliquais comment elle s’inscrivait dans le récit, qu’est ce qui la précédait et la suivait, je leur expliquais leur interaction avec l’héroïne principale dans le temps de préparation, puis un jour pour tourner. En tout trois ans et demi. C’était trop cher et trop technique à tourner en une ou deux semaines car nous avions sept cents acteurs au total.

 

Entre la recherche et le tournage, combien de temps cela a-t-il pris ?

Le processus a duré tout le temps, si, par exemple, chaque scène est un sujet différent. La scène dont je parlais, la nuit de la déportation, nous avons fait des recherches pendant six mois. Ensuite, le sujet était le camp de prisonniers, et nous avons fait des recherches sur le camp de prisonniers. Et j’ai eu des éditeurs qui lisaient des livres avant moi pour trouver les bons. Que la Sibérie soit figurée par le paysage estonien correspond à une phrase d’Erna qui m’a frappé…

 

Mon corps est en Sibérie, mon âme est restée à la maison.

 

 

Le film a été projeté dans votre pays, ainsi qu’en Lituanie et en Lettonie. Comment s’est passée la réception ? Comment les gens qui n’ont pas vécu les événements ont-ils réagi au film ? Quelle a été la réponse des personnes qui sont et sont toujours en vie ?

Après la première en Estonie, il y a deux ans maintenant, un vieil homme est venu me voir et m’a dit Merci pour le film. C’était exactement comme ça. Je me souviens de la sensation d’avoir commencé à pleurer, car c’est pour ça que j’ai fait le film. J’ai fait le film pour vous. Et c’était, et c’est toujours, le plus grand compliment. Quelqu’un qui a été là-bas a dit que c’était comme ça. Le retour global de l’Estonie a été très chaleureux, il a obtenu de bons chiffres dans les cinémas pendant près de trois mois et de nombreux prix ici. C’est plus facile de travailler maintenant en Estonie parce que tout le monde aime le film. Tout le monde parle du film comme s’il s’agissait de son film, ce qui est important pour la nation, alors je pense que le film a atteint son objectif, en un sens qu’il est un monument. C’était la même réaction en Lettonie et en Lituanie. Les gens là-bas connaissent l’histoire, ils connaissent les événements, et ils ont vraiment été émus parce que le film ne parle pas seulement de l’Estonie, mais des pays baltes. J’ai senti qu’ils étaient heureux du film.

 

Le film contient un tango de 1936 joué dans les camps lorsque les prisonniers juifs étaient conduits à leur mort, et déjà apparu dans d’autres films tels que Brûlé par le soleil de Nikita Mikhalkov. Vous utilisiez la chanson dans deux moments très différents, l’un pendant un acte de violence effrayante et l’autre précédant un mariage. Pourquoi avez-vous choisi une chanson aussi évocatrice, reconnaissable dans d’autres films, qui instille un souvenir de la brutalité et de la chute du pouvoir de Staline ?

Le sous-texte dont mon concepteur sonore et moi avons discuté était de présenter la scène où Staline meurt d’une manière que les habitants la prendraient. Donc, même si la mélodie du son est joyeuse, l’atmosphère générale doit être mélangée ou tordue. J’ai alors beaucoup aimé le contrepoint de la mélodie qui refléterait la même scène lorsque la violence s’abat sur le protagoniste, afin que le public se souvienne de la douleur de cette scène et emmène ce sentiment jusqu’au point culminant.

 

C’est le paradoxe du film et de l’histoire que le personnage principal a réalisé ce qu’elle voulait. Elle est à la maison. Elle est de retour à la maison, mais elle est seule. Lorsqu’elle atteint son objectif, elle comprend en fait le prix à payer pour rentrer à la maison. Elle ne savait pas qu’elle devait payer ce prix. Lorsque vous voulez réaliser quelque chose, vous n’en connaissez jamais le prix. Ce genre de sourire doux-amer – c’est ce qui s’est passé avec tous les déportés. Ils voulaient rentrer et quand ils étaient de retour au début des années 50, ils ont vu que leur patrie, l’Estonie en tant que pays, n’était plus la même.

 

 

 

Après avoir travaillé pendant de nombreuses années là-dessus, je suppose que vous travaillez sur quelque chose de nouveau. Pourriez-vous nous dévoiler un peu le sujet de votre prochain film ?

Mon prochain film s’appelle A Scandinavian Silence et parle de silence. il s’agit de personnes et du silence entre les personnes. La question que je me pose est la suivante: pourquoi est-il si difficile pour nous de nous parler ? Pourquoi, face à face, sommes-nous fermés ? pourquoi ne nous ouvrons-nous pas l’un à l’autre ? Pourquoi ouvrons-nous quand il est trop tard ?

 

Il y a beaucoup de silence dans le film et il s’agit de la nature humaine. J’espère que le film incitera les gens à parler davantage, à s’exprimer avant qu’il ne soit trop tard. J’aime beaucoup le silence, entre les gens.